Muere David Hockney, figura clave del arte contemporáneo y cronista visual de la luz californiana
El artista británico David Hockney, considerado una de las figuras más influyentes del arte contemporáneo, falleció el pasado jueves en su residencia de Londres, a unas semanas de cumplir 89 años. La noticia fue confirmada por sus representantes, poniendo fin a una trayectoria creativa que se extendió durante más de siete décadas y que dejó una huella profunda en la pintura, la fotografía, el diseño escénico y las artes digitales.
Reconocido por su capacidad para reinventarse constantemente, Hockney desarrolló una obra caracterizada por el uso vibrante del color, la observación de la vida cotidiana y la exploración permanente de nuevas formas de expresión artística. A lo largo de su carrera transitó por disciplinas tan diversas como el dibujo, el collage fotográfico, el video, la escenografía operística y las ilustraciones realizadas en dispositivos digitales.
Las piscinas que marcaron una época
La producción de Hockney quedó estrechamente vinculada a las imágenes de piscinas, residencias modernas y escenas bañadas por el sol de California. Estas composiciones se convirtieron en algunos de los íconos visuales más reconocibles del siglo XX, reflejando una atmósfera de aparente tranquilidad interrumpida por pequeños detalles que revelaban movimiento, tensión o misterio.
Entre sus obras más célebres destaca A Bigger Splash (1967), una pintura que representa una alberca frente a una vivienda de arquitectura moderna. La escena captura el instante posterior a un salto invisible, simbolizado por una explosión de agua que altera la serenidad del paisaje. La pieza sintetizó el interés del artista por la luz, el espacio y la sensualidad asociada a la vida en la costa oeste de Estados Unidos.
Arte y libertad personal
La llegada de Hockney a California también significó una experiencia de libertad personal. El artista asumió públicamente su homosexualidad a los 23 años, en una época en la que las relaciones entre personas del mismo sexo aún eran ilegales en Gran Bretaña.
Esa realidad se reflejó tempranamente en obras como We Two Boys Together Clinging (1961), inspirada en un poema de Walt Whitman, y Domestic Scene, Los Angeles (1963), donde exploró el deseo, la intimidad masculina y las relaciones afectivas en un contexto social marcado por la discriminación y los prejuicios.
Tras establecerse en Los Ángeles en 1964, encontró el escenario ideal para desarrollar una estética marcada por el color intenso y la luminosidad que había imaginado desde su juventud al observar las películas de Hollywood.
Retratos que capturaron emociones y relaciones
Además de sus paisajes y escenas californianas, Hockney construyó una sólida reputación como retratista. Sus pinturas se distinguieron por la atención a los detalles psicológicos y la complejidad emocional de sus personajes.
Entre sus trabajos más destacados figura Portrait of an Artist (Pool with Two Figures) (1972), inspirada en Peter Schlesinger, quien fue su pareja y una de las personas más influyentes en su vida. La obra alcanzó en 2018 un precio de 90.3 millones de dólares en una subasta realizada en Nueva York, estableciendo entonces un récord para una pieza creada por un artista vivo.
También sobresalen Mr and Mrs Clark and Percy (1970-1971), retrato de los diseñadores Celia Birtwell y Ossie Clark, y My Parents (1977), una representación íntima de sus padres considerada una de las más sensibles de su producción.
De Yorkshire al reconocimiento internacional
Nacido el 9 de julio de 1937 en Bradford, Yorkshire, Hockney fue el cuarto de cinco hijos de Laura y Kenneth Hockney. Desde temprana edad mostró interés por el dibujo y decidió orientar su vida hacia el arte.
Se formó en la Escuela de Arte de Bradford y posteriormente en el Royal College of Art de Londres, donde comenzó a destacar entre críticos, galeristas y coleccionistas. Su primera exposición individual, realizada en 1963, agotó todas las obras exhibidas y marcó el inicio de una carrera ascendente.
Aunque fue identificado con frecuencia como integrante del arte pop británico, sus influencias incluyeron a maestros como William Hogarth, J.M.W. Turner, Pablo Picasso, Paul Cézanne y Vincent van Gogh. A lo largo de su vida defendió el dibujo como una herramienta esencial para la formación artística.
El regreso a sus raíces y la innovación tecnológica
A partir de la década de 1990, el artista volvió a centrar su atención en los paisajes de Yorkshire, región donde pasó su infancia. De ese periodo surgió Bigger Trees Near Warter (2007), una monumental composición formada por 50 paneles y más de 12 metros de longitud.
Posteriormente se instaló en Normandía, Francia, donde desarrolló una intensa producción artística. Durante la pandemia realizó dibujos digitales inspirados en la llegada de la primavera y compartió el mensaje que se volvió ampliamente conocido: “Recuerden que no pueden cancelar la primavera”.
Su interés por la innovación lo llevó a incorporar herramientas como el fax, la fotografía Polaroid, el video y las tabletas digitales. Proyectos como The Yosemite Suite demostraron que la tecnología podía convertirse en una extensión natural de la pintura y el dibujo.
Una influencia que trascendió disciplinas
Más allá de la pintura, Hockney participó en proyectos de teatro y ópera como diseñador de escenografía y vestuario. También exploró nuevas formas narrativas mediante collages fotográficos como Pearblossom Highway, 11-18th April, 1986, obra que desafió las convenciones tradicionales de la representación visual.
En los últimos años continuó trabajando entre Londres y Normandía, mientras recibía homenajes y retrospectivas en importantes instituciones internacionales. En 2025, la Fundación Louis Vuitton de París dedicó una amplia muestra a su trayectoria, consolidando el reconocimiento de una carrera excepcional.
Un artista que nunca dejó de crear
David Hockney mantuvo una actividad constante hasta el final de su vida. Solía afirmar que el arte era una vocación de la que nunca pensó retirarse.
Su legado permanece en museos, galerías y colecciones de todo el mundo, donde continúan dialogando sus retratos, paisajes y escenas cotidianas. A través de ellos, el artista británico transformó la luz, el color y la observación de lo cotidiano en algunas de las imágenes más influyentes y perdurables del arte moderno.
